domingo, 30 de diciembre de 2018

Canon (1)

           ¿Qué papel juega el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en la creación del canon de arte español más contemporáneo?           
           Para contestar a esa pregunta revisaremos en este post y en el siguiente las exposiciones que ha realizado desde 2001 de artistas plásticos españoles menores de cincuenta años.

David Bestué ROSI AMOR 13/9/2017-26/2/2018


En esta exposición se pudieron ver esculturas creadas por el artista utilizando materiales que evocan los barrios madrileños de las Tablas y Vallecas y el Monasterio del Escorial como lugares asociados a las ideas estéticas de, respectivamente, lo empresarial, lo popular y lo histórico.

 Las esculturas de la foto están relacionadas con el barrio de Vallecas y en particular la pieza Manzana de ceniza del 11-S sobre un taburete con partículas del muro de Berlín (en primer plano en la foto) ha sido elaborada con materiales de los lugares mencionado en el título con la finalidad de poder generar emoción o, dicho de otra manera, “un estado de ánimo particular” en el público.

Erlea Maneros Zabala 19/4/2016 - 29/8/2016



La primera parte de la exposición es el libreto del apuntador de una “teatralización” de la sala 403 del Reina Sofía titulada “Un arte para el régimen: ruina y utopía en el sueño de exaltación nacional” con obras de artistas como José Caballero, Salvador Dalí, José Gutiérrez Solana, Amando de Ossorio y Joaquín Vaquero Turcios, que la artista convierte en personajes de su obra.  

La segunda parte es una selección de dibujos en tinta sobre papel titulada Exercises on Abstraction que están producidos de manera mecánica y que la artista viene realizando desde el año 2007 para cuestionar la academización del expresionismo abstracto.

Paloma Polo Posición aparente 26/1/2012 – 23/4/2012


En esta exposición se muestran los resultados de un proyecto de la artista referente a una expedición científica realizada en 1919 por el astrofísico británico Sir Arthur Stanley a la isla de Príncipe, ex-colonia portuguesa situada en el golfo de Guinea, para intentar demostrar la teoría de la relatividad de Einstein a partir de la observación de los efectos de un eclipse solar total.

Habiendo observado la artista que una estela conmemorativa del evento no estaba en el lugar correcto y que no existía ningún documento visual de la expedición promovió su traslado al lugar correcto que fue efectuado mediante un rudimentario sistema de carga por descendientes de los esclavos que trabajaban en las antiguas explotaciones de cacao de la isla y realizó una película de 16mm (a la que pertenece la imagen anterior).

La intención del proyecto no sería tanto la de re-enmarcar un hecho histórico escasamente documentado para que pueda ser comprendido desde un nuevo punto de vista, sino más bien explorar cómo se construye el punto de vista que deviene en dominante, reposicionando al científico de aquellas expediciones como un sujeto histórico al servicio del poder colonial.

Asier Mendizabal 9/2/2011 - 28/42011


Esta escultura replica la forma enigmática del marco que rodeaba un busto de Lenin erigido en Londres en 1941. Su autor, el arquitecto Berthold Lubetkin, propuso su colocación en un momento en el que aún era tolerable un reconocimiento tal en Gran Bretaña. Mas tarde el busto de Lenin desapareció y el marco se transformó en una forma abstracta.

Con obras de este tipo el artista muestra como la historia deja de ser una práctica relacionada con el pasado para revelar las grietas por las que ésta deviene actividad íntima del presente.

Efrén Álvarez Económicos 2/2/2011 - 20/5/2011


Este es uno de los cuarenta dibujos que, junto con textos de diversos autores, muestran una visión global de la economía actual como una disciplina que se autocaricaturiza con un enfoque hacia lo improductivo, la materia corrupta y las relaciones de alienación a través del trabajo y del consumo.

Francesc Ruiz La visita guiada 19/6/2008 – 31/8/2008

En esta exposición realizada en la Abadía de Silos, pudo verse una colección de Biblias procedentes de diversos lugares del mundo realizadas siguiendo el lenguaje del cómic y la viñeta ya sea siguiendo pautas del manga japonés, el manhwa coreano o la editorial estadounidense Marvel así como la publicación con formato de cómic titulado La visita guiada realizada por el artista.





viernes, 7 de diciembre de 2018

Invisibilidad



 
 
Jaume Plensa-Invisibles-2018-MNCARS (Palacio de Cristal)

Mirando atentamente las fotos anteriores (y mejor todavía yendo al Palacio de Cristal) pueden verse las cabezas invisibles de Laura, Anna y Rui realizadas mediante una trama de finos hilos metálicos brillantes con la forma del contorno de hipotéticas secciones verticales de las mismas.

 Están colgadas del techo del Palacio y al mirarlas (hay que hacerlo hacia arriba por sus grandes dimensiones) no es fácil reconocerlas por las particulares condiciones del interior de ese recinto en un día luminoso.

Al tratarse de unas esculturas realizadas con muy poco material su visibilidad/invisibilidad depende del entorno en el que están situadas y por eso su ubicación en el Palacio de Cristal es tan relevante para su valoración como obras de arte.

Julian VossAndreae-Onah seated-2015

El escultor alemán Julian Vos-Andreae también está interesado por el juego de lo visible y lo invisible con sus esculturas.

En la foto de arriba Onah resulta muy visible, pero sin embargo en la foto de abajo hay que prestar un poco de atención para verla enfrentada al personaje que ocupa el primer plano porque el vacío existente entre las láminas verticales con la que está hecha la escultura la difumina en un entorno luminoso.

 
 
Otra aproximación a la representación de lo invisible es la obra del artista chino Liu Bolín en la que que fotografía a determinados personajes pintados de manera que queden mimetizados en un determinado entorno (y con ello invisibilizados) para transmitir un determinado mensaje.

 
Pero también tiene interés hacer visible lo invisible ampliándolo como sucede en estas fotos de microbios de Roberto Kolter y Scott Chimileski expuestas recientemente en el Harvard Museum of Natural History. 

Hyuro-24 fragmentos de un día de trabajo-2016

Con este trabajo la artista urbana Hyuro quiere que visibilicemos la sobrecarga de trabajo de muchas mujeres. El marco expositivo es perfecto: un pasillo largo del metro para que no se escape un detalle.

Alicia Framis-¿Es mi cuerpo público?-Galería Juana de Azipuru-2018

Esta obra está formada por 15 telas semitransparentes en las que que está estampada la frase ¿Es mi cuerpo público? en 15 idiomas diferentes para suscitar una reflexión sobre la situación actual de la mujer. Público/privado es, en este contexto, una variante de visible/invisible.

viernes, 23 de noviembre de 2018

Tardocapitalismo



Del 26 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019 puede verse en Cibeles CentroCentro de Madrid la exposición LA NO COMUNIDAD, A modo de ensayo sobre la soledad en el tardocapitalismo.

Incluye 4 instalaciones creadas ex-profeso para ella por Cristina Lucas, Concha Jerez, Fernando Sánchez Castillo y Basurama/Dagoberto Rodriguez así como un amplio conjunto de obras prestadas por museos y fundaciones privadas españolas dedicadas al arte contemporáneo coherentemente con su naturaleza de instituciones tardocapitalistas.

Grandes frases-Cristina Lucas-2018

Este es uno de los cuatro paneles de la instalación de Cristina Lucas situados en alto en un recinto de planta cuadrada ilustrando cuatro propuestas de (de arriba abajo) IKEA, KIT KAT, DISNEYLAND y BURGER KING que podrían interpretarse tanto como maneras de combatir la soledad  o como ejemplo del tipo de alienaciones que genera el tardocapitalismo. 

Soliloquios Cotidianos-Concha Jerez-1987-2017

La instalación de Concha Jerez comprende por un lado 8 sartenes dispuestas sobre unas peanas y un contenedor central con los ingredientes a cocinar en ellas (telas, cintas de vídeo, …) y por otro una película proyectada en una pantalla que muestra a una persona cocinando en una de las sartenes.

Esa persona es, desde luego, una persona solitaria si ha tenido la ocurrencia de ocupar su tiempo utilizando su cocina para mantener soliloquios con objetos de su vida cotidiana mientras los remueve en una sartén.

Memoria I y II (Mare Nostrum)-Fernando Sánchez Castillo-2018.

El hombre sentado en un poste de la imagen superior y los 857 hombrecillos de la inferior (reproducciones de la anterior a pequeña escala) son potenciales emigrantes que otean el Mediterráneo y, sí, a pesar de ser tantos y tan juntos, están solos.

Refugio contra la soledad--Basurama/Dagoberto Rodriguez-2018

A diferencia de las instalaciones anteriores, ubicadas en el interior del Palacio de Cibeles, el Refugio contra la soledad está situado fuera de él, en la propia plaza de Cibeles de Madrid, es decir en un espacio transitado diariamente por una multitud de personas.

Más allá de cualquier consideración sobre su arquitectura (se ha llegado a señalar su similitud con una cápsula espacial) será interesante observar si llegará a funcionar como tal durante el período de la exposición e incluso estar atento a su posible okupación.

La exposición incluye un buen número de fotografías de distintos tipos de personas afectadas por la soledad generada por el tardocapitalismo, especialmente en ámbitos urbanos. 
Pierre Gonnord-Herb II- Fotografía color-2000-Fundacion Telefónica

Este sería, supuestamente, un buen ejemplo de ese tipo de personas.


Alberto García Alix-Autorretrato. Mi lado femenino-Museo Reina Sofia-2001

Parece más discutible, sin embargo, atribuir al personaje de la foto -uno de los fotógrafos españoles más exitosos- la condición de marginado por el tardocapitalismo. 

Liliana Porter-Weaver (Forced labour)-Madera, metal y lana-2008

Y para finalizar, vale la pena prestar atención a esta obra de Liliana Porter en la que una tejedora (con un cierto parecido a Isabel II) teje sin parar pues eso es lo que pasa en el tardocapitalismo: quiere que estemos siempre en movimiento aunque no sepamos hacia donde nos dirigimos.

jueves, 8 de noviembre de 2018

Camnitzer


En el Museo Reina Sofía puede verse actualmente una exposición retrospectiva del artista conceptual Luis Camnitzer titulada Hospicio de utopías fallidas.
This Is a Mirror You Are a Written Sentence-Poliestireno formado al vacío-1966-1968
Un buen ejemplo de mezcla de dos componentes básicos del arte conceptual: la utilización del lenguaje como materia de la obra de arte y la pretensión de que sirva al espectador no tanto de goce estético cuanto de motivo de reflexión.
Leftovers-Cajas de carton, gasa teñida y acetato de polivinilo-1970
Leftovers (Restos) consiste en un conjunto de cartón apiladas de aproximadamente dos metros de alto y tres de ancho. Cada caja está envuelta en gasas con manchas de tinta del color de la sangre. En el borde inferior hay dos charcos del mismo color.
Leftovers muestra otra de las dimensiones del arte conceptual: la política, referida en este caso a la situación latinoamericana en el año 1970.
Rainbowed Statement- Caja de madera y vidrio con materiales diversos-1973-1975
Camnitzer también aborda en esta obra la relación entre el lenguaje y el objeto artístico jugando con la redundancia entre su contenido literal (Frase Arcoirisada) y los colores del objeto encerrado en el marco de madera. 
Tratado sobre el paisaje-Botellas de vidrio etiquetadas y otros materiales-1996 
Los elementos habituales del paisaje (árbol, viento, costa, agua, lluvia, sol, …) están encerrados en botellas etiquetadas con sus nombres para que el espectador pueda hacer cócteles con las cantidades que considere apropiadas de cada uno de ellos.

Aula-2005
Y como botón final de esta selección de las obras de la exposición un aula con mensajes de clara intencionalidad política en sus dos pizarras.
La vocación didáctica de Camnitzer viene de lejos como testimonian las tres imágenes que siguen de tres museos que han expuesto su obra.
Museo Guggenheim Nueva York-2009
Museo Malba-Buenos Aires- 2014
Museo Jumex-Ciudad de Mexico-2015-2016
¿Qué nos quieren decir esas frases escritas en sus fachadas?
Desde luego su contenido literal es muy discutible y no se adivina en ellas el más mínimo contenido artístico, pero … ¿no va de eso el arte conceptual?

miércoles, 24 de octubre de 2018

Dinero



Aunque el dinero siempre ha sido un asunto importante en la vida humana, en la pintura clásica nunca tuvo una entidad relevante. Aparece en los cuadros de costumbres si la escena lo requiere, pero no tiene la categoría artística que se otorga, por ejemplo, a los objetos que aparecen en los bodegones.

Marinus van Reymerswale-El cambista y su mujer-1539-Museo del Prado

Hay alguna excepción a lo anterior como ésta en la que el dinero ocupa el papel central y concentra la atención de los protagonistas, pero hay que advertir que eso sucede en uno de los países que abraza la reforma protestante. En los países católicos no se quería que pasara lo mismo.

Victor Dubreuil -American currency-1885

Victor Dubreuil-Barrels of Money-1897

El poco conocido pintor franco-americano Victor Dubreuil fue de los primeros (si no el primero) que otorgó a los billetes de banco un papel protagonista en sus cuadros.

Andy Warhol- Front and Back Dollar Bills-1962

Andy Warhol-Dollar Signs-1981

Pero hubo que esperar a Andy Warhol para que el dinero ocupara un lugar propio en la iconografía de la época coincidiendo, por su parte, con el interés del dinero por la pintura contemporánea.

Donovan Clark-Money-art-art-project-2012

Brent Estabrook -Minting Money-2018

La vía abierta por Warhol ha sido fructífera dando lugar a un money art con practicantes como Donovan Clark y Brent Estabrook.

Jorge Galindo-Un tiempo afilado-2014-Galería Helga de Alvear

Jorge Galindo nos ha enseñado otra forma de pintar el dinero. Tanto la obra mostrada como las demás de la exposición celebrada en la Galería Helga de Alvear en 2014 bajo el título Money Painting son, según se indica en la documentación de la galería, obras de gran formato en las que el lienzo se llena de virutas de billetes de Euro, que absorben grandes manchas de pintura y activan el material de desecho que las sustenta -el dinero-.

Boyer Tresaco-Feria Estampa-2018-Theredoom Galería

Como no podía ser menos los billetes de banco también interesan al arte conceptual como sucede en esta obra que comprende tanto su objeto -un billete de 100 euros firmado por el artista- como la cartela que indica su precio de venta -la mitad del valor real del billete- y también el hecho -acreditado por el clavo rojo- de que la obra ya ha sido vendida (seguramente en el primer minuto hábil de la Feria).

¡Felicitaciones al comprador por el buen negocio y al artista por la magnífica ilustración de como opera la relatividad en el arte!

miércoles, 10 de octubre de 2018

Tiempo



Tiempo
¿Se puede pintar el tiempo?
Salvador Dalí-La persistencia de la memoria-1931-MOMA
En 1931 Dalí abordó el tema del papel del tiempo en la vida humana pintando unos relojes blandos en un paisaje onírico en el que se identifica el cabo de Creus.
Salvador Dalí-La desintegración de la persistencia de la memoria-1952-54- The Salvador Dalí Museum (San Petersburgo)
Dos décadas después Dalí volvió sobre el tema manteniendo los relojes blandos y añadiendo en su parte inferior una estructura cúbica en fase de desintegración.
Hay muchas teorías sobre el significado de estos dos cuadros, pero parece que, en la dominante, el primer cuadro sería la representación de un sueño freudiano -con, naturalmente, el tiempo alterado- y el segundo complementaría el primero mostrando como se desintegran ciertos componentes del sueño siguiendo los dictados de las teorías físicas sobre el átomo de la época.
Edward Hopper-Second Story Sunlight-1960-Whitney Museum of American Art-New York
Los pintores figurativos no pueden pintar el tiempo como tal, pero este cuadro es una buena muestra de cómo pasar el tiempo en una tarde de verano.
¿Pueden pintar el tiempo los pintores abstractos?
A primera vista parecería que no, pero las apariencias engañan.
Robert Rauschenberg-First Time Painting-1961-Berlin
Este cuadro fue pintado en la Embajada USA en Paris en 1961 en el curso de un evento artístico junto con otros colegas.
Rauschengberg pintó el cuadro situándolo con su parte trasera enfrente del grupo participante en el evento de manera que no pudieran ver como lo hacía, pero incorporó al mismo unos micrófonos para que se pudieran oir las pinceladas que daba. Terminó la obra cuando sonó una alarma, solucionando de raíz la frecuente duda que se plantean los artistas sobre si la obra está o no acabada.
Robert Rauschenberg-Third Time Painting-1961
De la misma serie que el anterior, el autor incorporó a la obra un reloj físico de grandes dimensiones para que los espectadores pudieran comprobar, comparándolo con el suyo, que el cuadro está siempre en hora.
Pelayo Ortega-Pintura Tiempo-2008-Galería Malborough
Vistos los precedentes anteriores no es extraño que un pintor como Pelayo Ortega que combina la figuración con la abstracción pinte el tiempo y lo haga con la ambigüedad que supone que no se sepa claramente si el reloj marca las 9:00 o las 11:45.
Jus Juchtmans-2015-Galería NF
Jus Juchtmans-2015-Galería NF
Aunque no lo parezca las dos obras anteriores tienen la pretensión de representar (de alguna manera) el tiempo y para ello hay que aclarar desde el principio (porque la contemplación de la reproducción fotográfica no lo permite) que tienen dos características que las diferencian de los cuadros monocromos puros: tienen un espesor mucho mayor y están realizadas, al menos en parte, con pinturas reflectantes.
Mientras que una de las pretensiones de monocromos puros como el cuadrado negro de Malevich o las obras de Rothko fue justamente su atemporalidad para que el espectador pudiera centrarse por completo en su percepción visual, Juchtmans combina el efecto estético del monocromo con la temporalidad que le aporta, por un lado, su estructura multi-capa (que deja huellas) y, por otro, su capacidad para reflejar tanto al espectador como al entorno en el que está expuesto.
Soraya Güell-Parando el tiempo-2018-Flecha Feria Bilbao
Como a todo el mundo le gustaría parar el tiempo en muchos momentos de su vida, Sofía Güell nos da pistas de cómo hacerlo.