Julie Mehretu

En el Centro Botín puede verse, hasta el día 25 de febrero, una exposición retrospectiva dedicada a Julie Mehretu, una artista nacida en Addis Abeba en 1970 de padre etíope y madre norteamericana que, como se indica en el catálogo, está considerada internacionalmente una de las más destacadas pintoras de su generación.

Empezó a exponer en galerías neoyorkinas en 1999 y su peculiar pintura abstracta con contenido político y social fue pronto muy apreciada como una sana alternativa a algunas de las corrientes figurativas entonces de moda (pop-art, Jeff Koons).

En su meteórica carrera artística destacan dos sucesos bien significativos. El primero de ellos fue el encargo que le hizo Goldman Sachs en 2007 de un enorme mural de 25 metros de largo y 7 de alto para su sede neoyorquina, que puede verse desde el exterior del edificio.

Mural Goldman Sachs (Detalle)

El segundo fue su presencia en la Documenta 13 de Kassel (2012) con la obra Mogamma relacionada con el complejo de edificios de la plaza Tahrir de El Cairo.

Mogamma: A Painting in Four Parts (2012)-Part 3

Si antes de los 45 años recibes el aval de una entidad financiera tan poderosa como Goldman Sachs por un lado y del mandarinato artístico que organiza las Documenta de Kassel por otro no cabe duda de que estás en el buen camino.

En una aproximación superficial a las obras mostradas anteriormente se aprecia que Mehretu se inspira en el suprematismo y el constructivismo ruso de las primeras décadas del siglo XX en el Mural de Goldman Sachs mientras que en Mogamma lo hace en el expresionismo abstracto norteamericano, pero que hay una diferencia sustancial respecto a la pintura de, por ejemplo, un Malevitch o un William de Koonig: su mayor complejidad como consecuencia de un procedimiento de elaboración mucho más laborioso consistente en realizar la obra por capas de manera que cada una de ellas se superponga a la anterior dejando visibles rastros de ella (algo difícil de apreciar en una reproducción fotográfica y que hace necesaria la contemplación directa de la obra para poder captar toda su potencialidad comunicativa).

 Ese procedimiento permite a Mehretu incorporar elementos realistas (tales como planos o mapas) para que sus obras puedan considerarse como cartografías de aquellos aspectos del mundo que trata en ellas.

Y el tercer precedente que cabe citar antes de pasar a la exposición del Centro Botín es que, desde el 23 de septiembre de 2006 al 7 de enero de 2007, es decir antes de los dos sucesos mencionados anteriormente que le dieron fama internacional, pudo verse una exposición de Julie Mehretu en el MUSAC de León titulada Black City lo que no deja de ser una rareza en el panorama artístico español.

Zero Canyon (A Dissimulation)-2006-305x214 cm

Esta obra, propiedad del MUSAC, se expuso en su día en León y lo hace ahora en el centro santanderino. Salvo por tener un formato vertical (raramente utilizado por la artista) ilustra perfectamente el estilo de Mehretu: obras de gran formato realizadas en capas sucesivas, utilizando el dibujo y la pintura como herramientas de trabajo.

Las seis obras siguientes, expuestas en el Centro Botín, son una buena representación del trabajo de Mehretu en el período 2009-2016.

Fragment-2009-303,5x415,8 cm

En Fragment (obra más expresionista que constructivista) la paleta de colores se limita al negro, al blanco y al gris, pero pueden apreciarse las estructuras subyacentes de capas anteriores sobre las que van superponiéndose inscripciones pictóricas.

Plover’s wing-2009-303,2x425,5 cm

En Plover’s wing (más constructivista que expresionista) pueden verse algunas de las herramientas básicas de Mehretu: calcos lineales de arquitecturas como soporte de bloques de color.

A partir de 2012 predomina la vertiente expresionista (con mucha dinámica gestual) y la temática se amplía incorporando asuntos de actualidad como la tecnología o la guerra de Siria como puede verse en las siguientes obras.

Co-Evolution of the Futurhyth Machine (after Kodwo Eshun)-2013-274,3x304,8 cm

Heavier than air (written form)-2014-122x183 cm

Invisible Sun (algorithm 7, spell form)-2015-304x424,2 cm

Conjured Parts (Syria), Aleppo and Damascus (Detalle)-2016-152,4x305,4 cm

Fluctuaciones

En la Sala Alcalá 31 de Madrid puede verse hasta el 28 de enero de 2018 la exposición Fluctuaciones de Daniel Canogar que incluye, entre otras, las siguientes obras. Los créditos y textos en cursiva que siguen a las imágenes proceden de www.danielcanogar.com.  

Draft 2017- Pantalla de cristal líquido, estructura metálica, ordenador

Producción artística y programación: Federico Guardabrazo 

Sobre las pantallas de la serie Draft aparecen animaciones generativas creadas con textos fundacionales del sistema democrático, incluyendo la Magna Carta, la Declaración Universal de los Derechos Humanos y la Constitución americana. Progresivamente esos textos se van distorsionando, el resultado de una reacción en tiempo real de la dirección e intensidad del viento de las ciudades que han visto nacer estos textos: Runnymede, París y Filadelfia.

Xylem 2016- Proyección

Producción artística y programación: Federico Guardabrazo

Xylen muestra una animación generativa creada con datos financieros en tiempo real de 383 fondos índice de todo el mundo. El movimiento vertical de la animación refleja fielmente la cotización ascendente o descendente de los fondos actualizada cada diez segundos. La paleta de colores de la obra recurre a la gama cromática de las principales monedas del mundo, incluyendo el verde del dólar, el tono rosáceo del billete de 500 euros y otras monedas internacionales incluyendo la libra esterlina y el yuan chino. También se incluyen los colores de materias primas que cotizan en bolsa, incluyendo oro, plata, cobre y platino.

Plexus, 2016- Proyección

Producción artística: Diego Mellado

En un mundo crecientemente electrónico y digital, las manos están desapareciendo como herramienta fabricante. Plexus cuestiona la mano del artista como el origen de una obra de arte. Los múltiples ritmos sincronizados a las (los) que las manos se acoplan evocan la producción masiva del mercado global. Es en este ritmo que las manos, en este caso las del propio artista, simultáneamente se multiplican y desaparecen.

Cannula, 2016- Proyección

Programación: Diego Mellado

La animación generativa de Cannula utiliza videos colgados en YouTube para crear una composición liquida. Conectada a Internet, la obra descarga en tiempo real los primeros 100 videos que aparecen con diversas búsquedas, entre ellas “los vídeos más vistos de YouTube”, “películas de Charles Chaplin”, “los mejores goles de Ronaldo”, o “crisis de refugiados sirios”.

Como se deduce de sus créditos, las obras anteriores se proyectan en una pantalla de cristal líquido (Draft 2017) o en una pared (Xylem 2016, Plexus 2016, Cannula 2016) y lo que se muestra en esos soportes es el resultado de tratamientos informáticos de diversa índole de unas “materias primas” cuidadosamente seleccionadas: textos en Draft 2017, series de datos en Xylem 2016, imágenes en Plexus 2016, vídeos y películas en Cannula 2016.

Esas obras representan fenómenos reales que se extienden en el tiempo tal como la variación de valores de fondos de inversión (Xylem 2016) o la estelas que forma un fluido al atravesar a una determinada velocidad frases “escultóricas” de textos fundacionales del sistema democrático (Draft 2017) utilizando para ello herramientas tecnológicas diversas. 

Lo que hace Canogar es, pues, lo mismo que han hecho los artistas de todos los tiempos: representar la realidad que le rodea. Lo hace sin pintar ni esculpir, es decir sin usar las manos (a lo que se alude en Plexus 2016), pero se trata de un arte realista expresado, eso sí, con un lenguaje necesariamente abstracto por tratarse de realidades incorpóreas (a diferencia del videoarte).

Nótese que se representan tanto fenómenos para los que se conocen otras formas de representación, como sucede con la variación de los valores de los fondos de inversión (Xylem 2016) como fenómenos inventados por el autor como los representados en Draft 2017 y Cannula 2016. En el último caso el estímulo para la contemplación de la obra es puramente estético mientras que en el primero también podría tener una finalidad utilitaria (tal vez un operador bursátil podría conocer mejor las tendencias del mercado utilizando Xylem 2016 que dejándose los ojos en las pantallas de las bolsas).

Sikka Ingentium 2017- 5 proyectores, 5 reproductores multimedia, sistema de amplificación, 12 altavoces, 2subwoofers, 2400 DVD, conexiones de red

Ingeniería artística: Diego Mellado. Composición de sonido: Alexander MacSween

Sikka Ingentium está compuesto de 2.000 películas en formatos DVD adquiridos en rastrillos, tiendas en segunda mano o video clubs que clausuraban. Fragmentos de cada una de estas películas se proyectan sobre la superficie de los DVD, otorgando una nueva vida a un material obsoleto. La banda sonora que la acompaña es la resultante al superponer las bandas sonoras de los segmentos reales que se están proyectando.  

En un segundo grupo de obras, al que pertenece Sikka Ingentium 2017, Canogar incluye dispositivos mayoritariamente obsoletos, como los 2000 DVD’s utilizados en esa obra, para ilustrarnos sobre el papel de la evolución tecnológica en nuestras sociedades siguiendo una corriente iniciada en la década de los 60 por Nan June Paik mediante, singularmente, la incorporación de aparatos de televisión en sus obras.

Puede haber gente que se pregunte si Sikka Ingentium 2017 es arte, pero ¿puede ocurrírsele a alguien que no sea artista proyectar películas grabadas en DVD’s sobre los soportes que las almacenaron de manera que cuando estás delante de la obra tengas unas sensaciones totalmente novedosas?

Metafísica

Viendo la exposición “Sueño o realidad. El mundo de Giorgio de Chirico” que se muestra en CaixaForum Madrid del 23 de noviembre de 2017 al 18 de febrero de 2018 uno puede preguntarse si ha habido (o incluso si puede haber) pintura metafísica no italiana.

Giorgio De Chirico-Enigma de la partida-1914

Giorgio De Chirico-Piazza souvenir de Italia-1925

Giorgio De Chirico-El gran juego-1971

Uno de los temas básicos de la pintura de Giorgio de Chirico (que es, sin duda, el mayor pintor metafísico) es el paisaje urbano. Como se puede apreciar en las obras anteriores, Giorgio de Chirico pinta paisajes urbanos imaginarios inspirados en el renacimiento italiano con una técnica figurativa y empieza a hacerlo en, precisamente, una época de “vuelta al orden” tras la eclosión de las vanguardias.

Pero también hay paisajes metafísicos no italianos.

Cristino de Vera-Cráneo y Toledo-1985

El pintor canario Cristino de Vera también es un pintor metafísico. En sus propias palabras “El tratamiento metafísico de la luz. Ese es el elemento más importante de mi pintura...Mi estética podría definirse como una búsqueda de la esencia de toda cosa, ser, imagen; como la búsqueda de una raíz espiritual que hay en cada forma del Universo.”

Nótese que en el cuadro anterior Toledo es simplemente una referencia espacial de lo verdaderamente importante: el cráneo situado en un pedestal en primer plano testimoniando la certerza de la muerte (una obsesión en la obra del pintor).

Giorgio de Chirico-El gran metafísico-1916

Giorgio de Chirico-Trobador-1972

En materia de retratos, Giorgio de Chirico sigue las mismas pautas de los paisajes y pinta personajes imaginarios utilizando formas bien presentes en la memoria de los italianos.

Cristino de Vera-Figuras y bodegón-1956

Y Cristino de Vera (que siente devoción por Zurbarán) hace lo mismo con elementos iconográficos del barroco español.

Giorgio Morandi-Bodegón-1929

 Entre las corrientes de la pintura metafísica se suele incluir a Morandi como ejemplo de una pintura concentrada en la naturaleza de las cosas, particularmente por sus bodegones.

Cristino de Vera- Bodegón con flores y panes-1965

Cristino de Vera- Mesa y cesta con flores-1968

Cristino de Vera- Mesa, tres tazas blancas y vasos con flor-1978

A la vista de las tres últimas obras ¿cabe alguna duda de que en materia de bodegones metafísicos Cristino de Vera es el gran maestro?