sábado, 9 de junio de 2018

Realismos


Aunque la pintura realista ocupa poco espacio en los museos de arte contemporáneo se siguen pintando retratos, paisajes y bodegones en los que se identifica perfectamente su contenido. 
Antonio López-La Familia de Juan Carlos I-1993-2014-Patrimonio Nacional


Aunque Antonio López sea un pintor lento, su tardanza en la realización de este cuadro, que le encargó Patrimonio Nacional, es comprensible si se tiene en cuenta que no podía dejar de sentir el peso de los muchos retratos de la familia real española expuestos en el Museo del Prado.

El cuadro cumple, desde luego, el imperativo de todo retrato (el parecido de sus personajes con los modelos) pero la difuminación del escenario y la ausencia de cualquier atributo ligado a la realeza hacen que se trate de un retrato conceptual mediante el que se transmite el (falso) mensaje de que la familia de Juan Carlos I es una familia normal. Su ubicación actual en el Salón de Alabarderos del Palacio Real de Madrid acentúa la contradicción.

Ricardo Sanz-Retrato de SS. AA. RR. Los Príncipes de Asturias

En contraste con el cuadro anterior, Ricardo Sanz siguió el canon tradicional de los retratos de la familia real.

Carmen Laffon-1960-La novia

Este es un buen ejemplo de otra manera de tratar la figura humana en el siglo XX: sugerir más que mostrar y otorgar importancia al tratamiento plástico del entorno del personaje.

Bernard-Lita Cabellut-2017

Este es uno de los retratos de la serie Ejercito de Poetas que la artista ha expuesto recientemente en una galería de Hong Kong.

Lita Cabellut es una artista que está teniendo un gran éxito internacional debido probablemente a que combina apropiadamente una factura básicamente realista con elementos tomados de la abstracción.

Antonio Lopez-1974-1981-La mitad invisible-La Gran Vía

Aunque parezca realista, este cuadro realmente no lo es porque Antonio López no ha incluido en él nada que se mueva (ni personas, ni coches, ni nubes, ni pájaros) para poder trasmitir así con mayor fuerza la sensación que produce ese espacio a quien lo visita por primera vez, sobre todo si viene de un entorno provinciano.

Para poder ejecutar el cuadro con esas condiciones Antonio López tuvo que acudir al escenario al amanecer en muchos días de verano durante los siete años que tardó en pintarlo.

Eugenio López Berrón-2012-La Gran Vía. Madrid

La Gran Vía madrileña, así como otras zonas de la ciudad, ha sido uno de los temas preferidos de un pintor que es capaz de captar las claves de ese entorno urbano como, en el caso de este cuadro, su particular atmósfera nocturna. 

Calabazas-Claudio Bravo-2008

Claudio Bravo fue uno de los mejores pintores realistas, pero ante un cuadro como este cabe preguntarse si su motivo ya existía antes de que se pusiese a pintarlo o si, por el contrario, estuvo probando con diversas disposiciones de calabazas sobre el mueble hasta que encontró la que finalmente llevó al lienzo.

En este último caso ¿se puede llamar realista a una pintura si su motivo no existía previamente (solo una vaga idea de pintar un bodegón de calabazas) y que probablemente dejó de existir al poco de tiempo de finalizar el cuadro?

Cristóbal Toral-Composición con equipaje-2001

 En este cuadro se representa un sector de un almacén de equipajes pero tal almacén no existe en ninguna parte. Podría existir porque las maletas y bolsas parecen reales pero no lo hace porque así nos lo dice el autor en su título.

Esa es una de las paradojas de la actual pintura realista.

Pedro Campos

Pedro Campos sigue la línea hiperrealista de Claudio Bravo y Cristóbal Toral (y muchos otros pintores) aplicando una extraordinaria destreza técnica para crear obras en las que se muestran objetos reales combinados de una manera existente únicamente en la mente del autor para que el espectador pueda plantearse cuestiones sobre lo que es y lo que no es real.

jueves, 24 de mayo de 2018

Geometría


La geometría siempre ha jugado un papel esencial en el arte, pero tuvo que esperar hasta el siglo XX para hacerlo de manera explícita.

Kazimir Malevich-1916-Suprematist Composition

Este es uno de los primeros cuadros con un contenido 100% geométrico. En la misma época que se gestaba la revolución rusa, los artistas suprematistas de ese país iniciaban un movimiento artístico en el que los únicos componentes del juego eran las formas geométricas y los colores.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro-Piet Mondrian-1921

Aplicando la ortogonalidad Mondrian impuso el orden en la abstracción geométrica en línea con los principios racionalistas de la Bauhaus.

Homenaje a Mallarmé-Jorge Oteiza-1958-Museo Reina Sofia

Al igual que la pintura, la escultura del siglo XX sintió la llamada de la geometría. Oteiza, de hecho, abandonó la escultura figurativa (tras realizar grandísimas obras como las realizadas en el Monasterio de Aranzazu) para realizar piezas vinculadas a procesos de vaciamiento y desocupación de las formas geométricas puras y en particular del cubo, el cilindro y la esfera.

Pero en el Homenaje a Mallarmé Oteiza busca algo más que un mero juego con la forma del cubo y crea una obra con el significado simbólico que se resume en el título y que, ciertamente, plantea problemas de interpretación para los no iniciados. Probablemente Oteiza buscara establecer un paralelismo entre lo que significó Mallarmé en la poesía y lo que él quería hacer en el arte.

Josef Albers: Homenaje al cuadrado. Resplandor-1966-Colección Hirshhorn

Josef Albers hizo muchísimos cuadros utilizando la forma del cuadrado procurando, como Oteiza, aportar obras con contenido simbólico. En este caso, el artista representa la idea de un resplandor jugando con la gradación de colores de varios cuadrados superpuestos sobre el anterior.

Mi pueblo y yo-Andreu Alfaro-1968-Colección Alfaro

Entre los elementos geométricos tratados por Andreu Alfaro en su carrera destacan el círculo, la línea y figuras del universo de Goethe.972. Sintético y

José María Yturralde-1972-Figura Imposible

Esta es una de las muchas “figuras imposibles” que creó Yturralde en su carrera.

Representar cosas que no existen en la realidad -o que cuestionan o provocan dudas sobre su existencia-  ha sido siempre una tarea interesante para los artistas.

Minos-Pablo Palazuelo-1992-Colección Banco Zaragozano

A diferencia de sus colegas, Palazuelo representa en sus obras ideas o situaciones con geometrías complejas. El titulo de la obra nos remite al rey cretense Minos que encerró al Minotauro en el Laberinto construido por Dédalo.

La Espiral del Viento-Martin Chirino-2011-Calle Triana, Las Palmas

La espiral es la figura geométrica más presente en la obra de Chirino.

Esta escultura antes de estar situada en la ciudad de las Palmas estuvo ubicada en la rotonda de una carretera.

Como sucede con muchas esculturas urbanas, son los ciudadanos quienes se apropian de ellas y les otorgan significados que pueden coincidir o no con el pretendido por el al autor.

En ese caso, la escultura simboliza entre otras muchas cosas la “espiral vital” de miles de personas que han circulado de una u otra manera alrededor de la tragedia del Vuelo JK5022.


lunes, 7 de mayo de 2018

Retratos


La aparición de la fotografía fue el fenómeno disruptivo que provocó que a finales del siglo XIX el arte empezara a ensayar nuevos rumbos y el retrato fué, naturalmente, el área más propicia para ello.

Gertrude Stein-Pablo Picasso-1905-1906-The Metropolítan Museum of Art

Este retrato de la escritora norteamericana Gertrude Stein -que tuvo un papel relevante en el temprano éxito de Picasso- fue realizado al final de su período rosa y preludia su inmediata adopción del cubismo pintando su cara con forma de máscara.

Como es bien sabido la respuesta de Picasso a los comentarios de la falta de parecido con la modelo fue “ya se parecerá” y ello pone de manifiesto que los retratos post-fotografía tienen que seguir cumpliendo la regla de que tienen que parecerse, de una manera ú otra, al retratado.

Retrato de Picasso-Juan Gris-1912- Instituto de Arte, Chicago

Siendo el modelo el propio Picasso, Juan Gris pudo hacer un retrato cien por cien cubista sin tener que soportar quejas del retratado pero lo cierto es que el cubismo no es el estilo más apropiado para el retrato.

Jean Cocteau-Amedeo Modigliani-1916-Princeton University Art Museum

Jean Cocteau fue retratado por muchos pintores (Picasso entre ellos) pero, estando orgulloso de su nariz larga y recta, no le gustó como se la pintó Modigliani en este retrato. De hecho pagó el cuadro pero no se lo llevó. Tiempo después escribió: "No se parece a mí, pero se parece a Modigliani, que es mejor" en referencia, probablemente, al éxito de los inconfundibles retratos de Modigliani fuera cual fuera el grado de parecido con el modelo.

Retrato de mi hermana y figura picassiana contrapuesta-Salvador Dalí-1923-1924-San Petersburgo, The Salvador Dalí Museum

En este cuadro aparecen dos personas retratadas varias veces por Dalí, su hermana Ana María (arriba) y su prima Montserrat (abajo) en una curiosa composición de clara influencia picassiana, reflejo de la gran admiración que sentía Dalí por Picasso en esa época.

Retrato de Picasso-Salvador Dalí-1947-Teatro Museo Dalí

La buena relación inicial de Picasso y Dalí cambió con el tiempo y este retrato es buena prueba de ello.

Como todo cuadro surrealista deja abiertos muchos temas a la interpretación: ¿Por qué pone la cabeza de Picasso sobre un pedestal y, al mismo tiempo, deforma sus facciones? ¿Tiene algún significado la roca dispuesta encima de la cabeza de Picasso? ¿Cómo hay que interpretar el laud situado en la cuchara que atraviesa el rostro de Picasso?

Estudio según el retrato del Papa Inocencio X por Velázquez-Francis Bacon-1953-Art Center, Des Moines (EEUU)

Si el retrato en el siglo XX no puede ser puramente figurativo ¿no es una buena idea elegir de modelo a un personaje retratado por Velazquez como el papa Inocencio X?

Esto fué lo que se le ocurrió a Francis Bacon, uno de los maestros del retrato del siglo XX y tanto en este como en muchos de sus retratos los modelos parecen atormentados reflejando probablemente sensaciones vividas por el pintor.

Brigitte Bardot-Antonio Saura-1959-Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca)

En el año 1959 Brigitte Bardot era un personaje sugerente: una mujer que rompía los esquemas morales de la época y por tanto una modelo apropiada para la pintura gestual que practicaba Saura.

En el cuadro la estructura del cuerpo de la modelo y sus facciones se deforman para que representen apropiadamente no tanto su imagen como el papel que desempeña en la sociedad.

Retrato de Haile Selassie, Negus de Abisinia-Alvaro Delgado-1974-Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Alvaro Delgado, que fue uno de los mejores retratistas españoles en el siglo XX,  se caracterizó por su capacidad de transmitir no tanto una imagen cien por cien realista del modelo cuando su personalidad.

Mick Jagger-Andy Warhol-1975

Andy Warhol tuvo mucho éxito con sus retratos pop en largas series de personajes célebres, como Mick Jagger, manipulando pictóricamente imágenes fotográficas del modelo.

Retrato del barón H. H. Thyssen-Bornemisza- Lucian Freud-1981-1982- Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

En las corrientes neo-figurativas del retrato del siglo XX, Lucian Freud ocupa un papel relevante y este cuadro es una buena muestra de ello.

Barry Humphries-David Hockney-26-28 Marzo 2015

Este y otros muchos retratos de personas del entorno del pintor fueron realizados por el pintor en períodos de tres días y expuestos posteriormente en la Royal Academy de Londres y en el Museo Guguenheim de Bilbao.

Este proyecto de David Hockney pone de manifiesto la vigencia del retrato en la pintura contemporánea.

miércoles, 18 de abril de 2018

Asia

Con un pequeño desfase temporal se han presentado en Madrid exposiciones de un artista chino influenciado por la pintura española y de pintores españoles deudores del arte oriental.
 En el primer caso se trata de “El espíritu de la pintura. Cai Guo-Qiang en el Prado” que tuvo lugar en el Museo del Prado del 25 de octubre de 2017 al 4 de marzo de 2018 y en el segundo de “El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017)” que puede verse en la Fundación March del 8 de marzo al 24 junio de 2018.
Las tres obras de Cai Guo-Quiang que se muestran a continuación, como las del resto de la exposición, están creadas con una técnica muy particular: en primer lugar se pintan en el lienzo sus elementos figurativos (estando el lienzo en el suelo y el pintor de pie); en segundo lugar se disponen sobre el lienzo montones de pólvora del color deseado para cada zona (mezclada con la cantidad apropiada de pólvora negra para controlar la velocidad de la deflagración); en tercer lugar se tapa el lienzo; finalmente, se hace explotar la pólvora y se retira la tapa.
Para producir sus obras Cai Guo-Qiang dispuso durante dos años del Salón de Reinos y de acceso ilimitado al Museo del Prado (incluso por la noche) para facilitar su diálogo con los grandes maestros del Prado, pues esa es la idea central del proyecto.
El espíritu de la pintura-Cai Guo-Qiang-Pólvora sobre lienzo-300cm x 1800cm
En esta obra, de grandísimo tamaño, como en las siguientes, se puede apreciar lo que se logra pintando con pólvora: zonas de color de intensidad variable con fronteras imprecisas entre ellas. El azar juega un papel importante porque el artista no tiene un control total sobre el proceso. La efigie de Velazquez es el signo mas inteligible (junto con el título) que nos proporciona el artista sobre el significado del cuadro, aunque un estudio comparativo de sus colores con los utilizados por los maestros del Prado seguramente daría respuestas más precisas. 
Día y noche en Toledo-Cai Guo-Qiang-Pólvora sobre lienzo-260m x 600cm
El Greco fue el primer pintor español que atrajo la atención de Cai Guo-Qiang y esta obra es buena prueba de la admiración que le profesa.
El Salón de Reinos-Cai Guo-Qiang-Pólvora sobre lienzo-360cm x 600cm

En este cuadro el artista nos proporciona su interpretación del futuro papel del Salón de Reinos como parte integrante del Museo del Prado.

Aunque la obra de Cai Guo-Quiang puede sin duda encuadrarse en el “action painting”, la utilización de la pólvora le proporciona una originalidad indiscutible.

Vayamos ahora al principio Asia según la Fundación March que, resumiéndolo muy brevemente, se refiere a la presencia de lo asiático en el arte contemporáneo español, sobre todo el representando en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y que fue propiciada de alguna manera por su fundador Fernando Zóbel, de origen filipino.

La exposición nos enseña que a algunos artistas españoles abstractos ciertos temas clásicos de la pintura y la escritura asiática les resultan sugerentes para reinterpretarlos.

Simulacro XX-Gustavo Torner-1996

Aunque el título no lo diga claramente, esto es un kimono abstracto (o la abstracción de un kimono) y por eso Torner utiliza formas geométricas puras y colores planos (sin elementos decorativos) para representarlo.

Mandala X-Manuel Rivera-1976

En las tradiciones orientales un mandala es una representación del universo. Los hay figurativos y geométricos y su estructura siempre comprende un elemento central rodeado del resto de componentes. Si asumimos el concepto, esta obra de Rivera es muy sugerente porque podemos ver en ella elementos tan dispares como una incógnita (una X). una cruz o, incluso, una representación del globo terráqueo con sus cuatro polos cardinales unidos al centro.

Vertical amb cal.ligrafia-Antoni Tapies-1987

La caligrafía oriental ha atraído desde fechas muy tempranas el interés de los pintores abstractos y esta obra de Tapies es buena muestra de ello.
Fuera de la abstracción radical, lo oriental también ha interesado a otros artistas españoles contemporáneos por, entre otras cosas, su exuberante colorido.

Concert Jamaique-Miquel Barceló 2010

Así, por ejemplo, aunque en esta obra Barceló utiliza figuras icónicas del arte oriental lo importante no es tanto su representación (que es muy esquemática) sino la utilización del color.

Zen-Alfonso Albacete-2007

Y, siguiendo con el color, esto es lo quedó en la memoria de Alfonso Albacete de los jardines secos que pudo ver en Japón.

Azul cerúleo-Alfonso Albacete-2005

Y esta infinidad de residuos flotantes en el azul mar de la China es lo que llamó la atención a Alfonso Albacete cuando navegó por la zona.

Juan Navarro Baldeweg-Habitación roja con figura-2005

La perspectiva elegida en esta obra por Navarro Baldeweg para representar una habitación pintada de rojo es justamente la utilizada en las estampas japonesas. Como no es la perspectiva habitual en Occidente para la escena, mucha gente, antes de leer la cartela, no ve en ella una habitación sino una composición abstracta.

Los que han visto las dos exposiciones comentadas ya entienden mejor en que consiste ese fenómeno llamado globalización.

jueves, 5 de abril de 2018

Semana Santa


Las procesiones de Semana Santa en España son un buen tema para la pintura tanto por la riqueza plástica de las imágenes que exhiben como por la presencia de un gran número de personas que participan en ellas activa o pasivamente.
Entre los pintores que se han ocupado de ellas destaca, sin duda, Solana.
         Procesión de la muerte- José Gutiérrez Solana -1912- Museo Reina Sofía 
Ya en un momento muy temprano Solana percibe que el tema merece una técnica expresionista y que nada mejor que representar un paso imaginario de un esqueleto para advertirnos que en las procesiones de Semana Santa no solo se recuerda la muerte de Cristo sino la que nos espera a todos los demás. 
El beso de Judas-José Gutiérrez Solana-1932-Fundación Mapfre
Las procesiones son para Solana manifestaciones de esa España “negra” a la que dedicó buena parte de su obra, muy influenciado por las reflexiones de los autores de la generación del 98 sobre el papel de la religión católica en la vida nacional. 
Nótese que, a pesar del barroquismo del paso, los nazarenos y el pueblo penitente asisten estólidos a la conmemoración de la pasión de Cristo.
Procesión de Semana Santa- José Gutiérrez Solana- 1935-1939
También hay mucha negrura en este cuadro y mucho contraste entre la pasividad del pueblo, separado por sexo, y el movimiento de los penitentes con capirotes.   
Procesión en Zamora-José Gutiérrez Solana-1943/1945
Y en este cuadro resulta impactante el hieratismo de la gente que rodea los pasos de Cristo en la cruz.
                 El Cristo de la sangre- Ignacio Zuloaga-1911- Museo Reina Sofía
Zuloaga también se plantea la problemática del fenómeno religioso en España, pero lo hace con una estética distinta a la negrura de Solana como bien se aprecia en este cuadro azul.
Yendo a épocas más recientes se pueden encontrar otras formas de aproximación artística a la Semana Santa como las utilizadas en los cuatro carteles publicitarios de la Semana Santa de Cuenca que reproducimos seguidamente.
                                                         
                                                                  Antonio Saura
Como Cuenca alberga el Museo de Arte Abstracto no es extraño que en su colección de carteles dedicados a la Semana Santa hayan aparecido carteles abstractos como este de Antonio Saura pero conviene señalar que tuvieran que pasar 30 años desde la fundación del Museo para que se encargase el cartel anual a uno de los artistas representados en él.
La elección no pudo ser más acertada porque Saura es sin duda uno de los maestros de la negrura en la pintura informalista española.
Gustavo Torner
Una vez abierta la veda, nos encontramos con este cartel de Torner en el que se visualiza una escena realista de una procesión tras un velo amarillo como si se quisiera evitar su contemplación directa o señalar la necesidad del velo para entender adecuadamente el significado de la procesión.
                                               Jose María Cruz Novillo
Cruz Novillo, más conceptual, opta por el hiperrealismo de un primer plano de una Virgen dolorosa.
       Diseñado por la Fundación Juan March a partir de una obra de Fernando Zóbel
La elección de este cartel, diseñado por Guillermo Nagore (director de Identidad, Comunicación y Experiencia de la Fundación Juan March) a partir de un cuadro de Fernando Zóbel de 1964 titulado “Transparente rosa”, provocó en su día una considerable polémica en la ciudad al entender sus detractores que no representaba adecuadamente la Semana Santa de Cuenca.
Aunque, como toda obra abstracta, el cartel está abierto a cualquier interpretación subjetiva de quien lo contempla, lo cierto es que su gama de colores es sustancialmente la misma que la del cartel precedente.

jueves, 15 de marzo de 2018

Palacio de Cristal


Este es el Palacio de Cristal situado en el Parque del Retiro de Madrid y cedido actualmente al Museo Reina Sofia para que lo utilice como sala de exposiciones.

Su singularidad arquitectónica, que contrasta fuertemente con la deseada vulgaridad de la mayoría de los espacios expositivos de obras de arte para no perturbarlas, propicia que pueda haber unas relaciones continente-contenido muy especiales en las exposiciones que se realizan en él como veremos seguidamente.


Federico Guzmán-Tuiza-Las culturas de la jaima-2015


Solo a un artista se le puede ocurrir ubicar una jaima sahariana en una edificación concebida inicialmente para albergar un invernadero, pero eso es lo que hizo Federico Guzmán en esta exposición.

El espectador que contemple esta obra puede sin duda, como quiere al autor, entender la gran jaima dispuesta en el interior del Palacio de Cristal como un espacio de hospitalidad y conversación, pero tendrá que ser él mismo quien encuentre las claves del diálogo que puede tener lugar entre una típica “casa” sahariana y un entorno como el del Palacio de Cristal, tan abierto a la luz y tan próximo al agua.

Mitsuo Miura-Memorias imaginadas-2013

El punto de partida de cualquier proyecto expositivo en el Palacio de Cristal tiene necesariamente que abordar la relación que se producirá entre las obras del artista y un edificio tan singular.

Mitsuo Miura optó por el contraste entre un contenido minimalista -unas piezas circulares de colores desvaídos suspendidas de su cubierta y unas franjas intermitentes de colores dispuestas dobre el suelo- y un continente de una factura tan “apabullante” para mostrar quizás una más de las contradicciones con las que tenemos que vivir.

Nacho Criado-Agentes Colaboradores-2012

El Palacio de Cristal, segunda sede de la retrospectiva, reconstruye la exposición Piezas de agua y cristal, expuesta en 1991 en este mismo espacio. En ella un criadero de hongos sobre las paredes vítreas ejemplifica el devenir "en estado de ruina" y la participación de agentes colaboradores, que contestan la utopía arquitectónica y el mensaje aséptico de la galería mediante la huella del acontecimiento. Una antiarquitectura, una idea-estímulo, que nace como reflexión sobre la mutabilidad y el uso del tiempo como un material más para la creación.

Así describe el Museo Reina Sofía esta exposición en la que, como bien se explica, el contenido tiene una función destructiva del continente. 


Soledad Sevilla-Escrito en los cuerpos celestes-2011


En esta exposición la artista dota al Palacio de Cristal de una segunda piel (hecha con paneles de policarbonado) recreando un cielo nocturno en el que flotan diversos signos linguisticos (no visibles en la foto) para que podamos verlo de día como si fuera de noche, transformado en un templo pagano.

Evaristo Bellotti-Escultura-2008

La obra está formada por un total de 1.668 losas de mármol de idénticas dimensiones labradas por el artista en las canteras de Macael (Almería) dispuestas sobre el suelo del Palacio de Cristal y una instalación hidráulica que permite que emerja agua del suelo, discurra sobre su superficie y contribuya a apreciar la belleza del mármol.

Se trata pues de una inusual escultura “horizontal”, difícilmente instalable en un museo convencional, que permite que el espectador tenga el arte bajo sus pies..


Javier Pérez-Mutaciones, metamorfosis-2004


El Palacio de Cristal alberga en este caso un milenario olivo que muestra sus entrañas teñidas de una savia sanguínea.

La belleza de la imagen no puede ocultar la tristeza del olivo encerrado dentro del Palacio y privado de la libertad de los arboles circundantes.

Leiro-2004

La arquitectura del Palacio de Cristal posibilita tanto su ocupación por los personajes escultóricos en unas ubicaciones inhabituales como facilitar al artista que pueda presentarlos en unas posturas poco convencionales.

El brutalismo del contenido contrasta perfectamente con la perfección industrial del continente.


Eva Lootz-La lengua de los pájaros-2002


Aprovechando el parecido del Palacio de Cristal con una gran pajarera, Eva Lootz instaló en esta exposición un conjunto de altavoces que difunden cantos de diferentes especies de pájaros sobre una gran montaña de arena circundada parcialmente por una pasarela que permite transitar sobre ella.

De esa manera el visitante puede apreciar tanto los cantos grabados de pájaros de la instalación como, si hay suerte, los cantos naturales de los pájaros que vuelan en el exterior o, dicho de otra manera, tanto la cultura como la naturaleza.