Julie Mehretu

En el Centro Botín puede verse, hasta el día 25 de febrero, una exposición retrospectiva dedicada a Julie Mehretu, una artista nacida en Addis Abeba en 1970 de padre etíope y madre norteamericana que, como se indica en el catálogo, está considerada internacionalmente una de las más destacadas pintoras de su generación.

Empezó a exponer en galerías neoyorkinas en 1999 y su peculiar pintura abstracta con contenido político y social fue pronto muy apreciada como una sana alternativa a algunas de las corrientes figurativas entonces de moda (pop-art, Jeff Koons).

En su meteórica carrera artística destacan dos sucesos bien significativos. El primero de ellos fue el encargo que le hizo Goldman Sachs en 2007 de un enorme mural de 25 metros de largo y 7 de alto para su sede neoyorquina, que puede verse desde el exterior del edificio.

Mural Goldman Sachs (Detalle)

El segundo fue su presencia en la Documenta 13 de Kassel (2012) con la obra Mogamma relacionada con el complejo de edificios de la plaza Tahrir de El Cairo.

Mogamma: A Painting in Four Parts (2012)-Part 3

Si antes de los 45 años recibes el aval de una entidad financiera tan poderosa como Goldman Sachs por un lado y del mandarinato artístico que organiza las Documenta de Kassel por otro no cabe duda de que estás en el buen camino.

En una aproximación superficial a las obras mostradas anteriormente se aprecia que Mehretu se inspira en el suprematismo y el constructivismo ruso de las primeras décadas del siglo XX en el Mural de Goldman Sachs mientras que en Mogamma lo hace en el expresionismo abstracto norteamericano, pero que hay una diferencia sustancial respecto a la pintura de, por ejemplo, un Malevitch o un William de Koonig: su mayor complejidad como consecuencia de un procedimiento de elaboración mucho más laborioso consistente en realizar la obra por capas de manera que cada una de ellas se superponga a la anterior dejando visibles rastros de ella (algo difícil de apreciar en una reproducción fotográfica y que hace necesaria la contemplación directa de la obra para poder captar toda su potencialidad comunicativa).

 Ese procedimiento permite a Mehretu incorporar elementos realistas (tales como planos o mapas) para que sus obras puedan considerarse como cartografías de aquellos aspectos del mundo que trata en ellas.

Y el tercer precedente que cabe citar antes de pasar a la exposición del Centro Botín es que, desde el 23 de septiembre de 2006 al 7 de enero de 2007, es decir antes de los dos sucesos mencionados anteriormente que le dieron fama internacional, pudo verse una exposición de Julie Mehretu en el MUSAC de León titulada Black City lo que no deja de ser una rareza en el panorama artístico español.

Zero Canyon (A Dissimulation)-2006-305x214 cm

Esta obra, propiedad del MUSAC, se expuso en su día en León y lo hace ahora en el centro santanderino. Salvo por tener un formato vertical (raramente utilizado por la artista) ilustra perfectamente el estilo de Mehretu: obras de gran formato realizadas en capas sucesivas, utilizando el dibujo y la pintura como herramientas de trabajo.

Las seis obras siguientes, expuestas en el Centro Botín, son una buena representación del trabajo de Mehretu en el período 2009-2016.

Fragment-2009-303,5x415,8 cm

En Fragment (obra más expresionista que constructivista) la paleta de colores se limita al negro, al blanco y al gris, pero pueden apreciarse las estructuras subyacentes de capas anteriores sobre las que van superponiéndose inscripciones pictóricas.

Plover’s wing-2009-303,2x425,5 cm

En Plover’s wing (más constructivista que expresionista) pueden verse algunas de las herramientas básicas de Mehretu: calcos lineales de arquitecturas como soporte de bloques de color.

A partir de 2012 predomina la vertiente expresionista (con mucha dinámica gestual) y la temática se amplía incorporando asuntos de actualidad como la tecnología o la guerra de Siria como puede verse en las siguientes obras.

Co-Evolution of the Futurhyth Machine (after Kodwo Eshun)-2013-274,3x304,8 cm

Heavier than air (written form)-2014-122x183 cm

Invisible Sun (algorithm 7, spell form)-2015-304x424,2 cm

Conjured Parts (Syria), Aleppo and Damascus (Detalle)-2016-152,4x305,4 cm

Fluctuaciones

En la Sala Alcalá 31 de Madrid puede verse hasta el 28 de enero de 2018 la exposición Fluctuaciones de Daniel Canogar que incluye, entre otras, las siguientes obras. Los créditos y textos en cursiva que siguen a las imágenes proceden de www.danielcanogar.com.  

Draft 2017- Pantalla de cristal líquido, estructura metálica, ordenador

Producción artística y programación: Federico Guardabrazo 

Sobre las pantallas de la serie Draft aparecen animaciones generativas creadas con textos fundacionales del sistema democrático, incluyendo la Magna Carta, la Declaración Universal de los Derechos Humanos y la Constitución americana. Progresivamente esos textos se van distorsionando, el resultado de una reacción en tiempo real de la dirección e intensidad del viento de las ciudades que han visto nacer estos textos: Runnymede, París y Filadelfia.

Xylem 2016- Proyección

Producción artística y programación: Federico Guardabrazo

Xylen muestra una animación generativa creada con datos financieros en tiempo real de 383 fondos índice de todo el mundo. El movimiento vertical de la animación refleja fielmente la cotización ascendente o descendente de los fondos actualizada cada diez segundos. La paleta de colores de la obra recurre a la gama cromática de las principales monedas del mundo, incluyendo el verde del dólar, el tono rosáceo del billete de 500 euros y otras monedas internacionales incluyendo la libra esterlina y el yuan chino. También se incluyen los colores de materias primas que cotizan en bolsa, incluyendo oro, plata, cobre y platino.

Plexus, 2016- Proyección

Producción artística: Diego Mellado

En un mundo crecientemente electrónico y digital, las manos están desapareciendo como herramienta fabricante. Plexus cuestiona la mano del artista como el origen de una obra de arte. Los múltiples ritmos sincronizados a las (los) que las manos se acoplan evocan la producción masiva del mercado global. Es en este ritmo que las manos, en este caso las del propio artista, simultáneamente se multiplican y desaparecen.

Cannula, 2016- Proyección

Programación: Diego Mellado

La animación generativa de Cannula utiliza videos colgados en YouTube para crear una composición liquida. Conectada a Internet, la obra descarga en tiempo real los primeros 100 videos que aparecen con diversas búsquedas, entre ellas “los vídeos más vistos de YouTube”, “películas de Charles Chaplin”, “los mejores goles de Ronaldo”, o “crisis de refugiados sirios”.

Como se deduce de sus créditos, las obras anteriores se proyectan en una pantalla de cristal líquido (Draft 2017) o en una pared (Xylem 2016, Plexus 2016, Cannula 2016) y lo que se muestra en esos soportes es el resultado de tratamientos informáticos de diversa índole de unas “materias primas” cuidadosamente seleccionadas: textos en Draft 2017, series de datos en Xylem 2016, imágenes en Plexus 2016, vídeos y películas en Cannula 2016.

Esas obras representan fenómenos reales que se extienden en el tiempo tal como la variación de valores de fondos de inversión (Xylem 2016) o la estelas que forma un fluido al atravesar a una determinada velocidad frases “escultóricas” de textos fundacionales del sistema democrático (Draft 2017) utilizando para ello herramientas tecnológicas diversas. 

Lo que hace Canogar es, pues, lo mismo que han hecho los artistas de todos los tiempos: representar la realidad que le rodea. Lo hace sin pintar ni esculpir, es decir sin usar las manos (a lo que se alude en Plexus 2016), pero se trata de un arte realista expresado, eso sí, con un lenguaje necesariamente abstracto por tratarse de realidades incorpóreas (a diferencia del videoarte).

Nótese que se representan tanto fenómenos para los que se conocen otras formas de representación, como sucede con la variación de los valores de los fondos de inversión (Xylem 2016) como fenómenos inventados por el autor como los representados en Draft 2017 y Cannula 2016. En el último caso el estímulo para la contemplación de la obra es puramente estético mientras que en el primero también podría tener una finalidad utilitaria (tal vez un operador bursátil podría conocer mejor las tendencias del mercado utilizando Xylem 2016 que dejándose los ojos en las pantallas de las bolsas).

Sikka Ingentium 2017- 5 proyectores, 5 reproductores multimedia, sistema de amplificación, 12 altavoces, 2subwoofers, 2400 DVD, conexiones de red

Ingeniería artística: Diego Mellado. Composición de sonido: Alexander MacSween

Sikka Ingentium está compuesto de 2.000 películas en formatos DVD adquiridos en rastrillos, tiendas en segunda mano o video clubs que clausuraban. Fragmentos de cada una de estas películas se proyectan sobre la superficie de los DVD, otorgando una nueva vida a un material obsoleto. La banda sonora que la acompaña es la resultante al superponer las bandas sonoras de los segmentos reales que se están proyectando.  

En un segundo grupo de obras, al que pertenece Sikka Ingentium 2017, Canogar incluye dispositivos mayoritariamente obsoletos, como los 2000 DVD’s utilizados en esa obra, para ilustrarnos sobre el papel de la evolución tecnológica en nuestras sociedades siguiendo una corriente iniciada en la década de los 60 por Nan June Paik mediante, singularmente, la incorporación de aparatos de televisión en sus obras.

Puede haber gente que se pregunte si Sikka Ingentium 2017 es arte, pero ¿puede ocurrírsele a alguien que no sea artista proyectar películas grabadas en DVD’s sobre los soportes que las almacenaron de manera que cuando estás delante de la obra tengas unas sensaciones totalmente novedosas?

Metafísica

Viendo la exposición “Sueño o realidad. El mundo de Giorgio de Chirico” que se muestra en CaixaForum Madrid del 23 de noviembre de 2017 al 18 de febrero de 2018 uno puede preguntarse si ha habido (o incluso si puede haber) pintura metafísica no italiana.

Giorgio De Chirico-Enigma de la partida-1914

Giorgio De Chirico-Piazza souvenir de Italia-1925

Giorgio De Chirico-El gran juego-1971

Uno de los temas básicos de la pintura de Giorgio de Chirico (que es, sin duda, el mayor pintor metafísico) es el paisaje urbano. Como se puede apreciar en las obras anteriores, Giorgio de Chirico pinta paisajes urbanos imaginarios inspirados en el renacimiento italiano con una técnica figurativa y empieza a hacerlo en, precisamente, una época de “vuelta al orden” tras la eclosión de las vanguardias.

Pero también hay paisajes metafísicos no italianos.

Cristino de Vera-Cráneo y Toledo-1985

El pintor canario Cristino de Vera también es un pintor metafísico. En sus propias palabras “El tratamiento metafísico de la luz. Ese es el elemento más importante de mi pintura...Mi estética podría definirse como una búsqueda de la esencia de toda cosa, ser, imagen; como la búsqueda de una raíz espiritual que hay en cada forma del Universo.”

Nótese que en el cuadro anterior Toledo es simplemente una referencia espacial de lo verdaderamente importante: el cráneo situado en un pedestal en primer plano testimoniando la certerza de la muerte (una obsesión en la obra del pintor).

Giorgio de Chirico-El gran metafísico-1916

Giorgio de Chirico-Trobador-1972

En materia de retratos, Giorgio de Chirico sigue las mismas pautas de los paisajes y pinta personajes imaginarios utilizando formas bien presentes en la memoria de los italianos.

Cristino de Vera-Figuras y bodegón-1956

Y Cristino de Vera (que siente devoción por Zurbarán) hace lo mismo con elementos iconográficos del barroco español.

Giorgio Morandi-Bodegón-1929

 Entre las corrientes de la pintura metafísica se suele incluir a Morandi como ejemplo de una pintura concentrada en la naturaleza de las cosas, particularmente por sus bodegones.

Cristino de Vera- Bodegón con flores y panes-1965

Cristino de Vera- Mesa y cesta con flores-1968

Cristino de Vera- Mesa, tres tazas blancas y vasos con flor-1978

A la vista de las tres últimas obras ¿cabe alguna duda de que en materia de bodegones metafísicos Cristino de Vera es el gran maestro?

Revolución

¿Qué papel jugó la revolución rusa de 1917 en el arte?

Dos exposiciones celebradas este año la Royal Academy of Arts y en la Tate Galery de Londres han revisado esa cuestión 100 años después. Resumimos seguidamente sus conclusiones.

Los artistas rusos de vanguardia que habían inventado la abstracción unos años antes, como Kandinsky y Malevich, abrazan la revolución.

Vassily Kandinsky-Improvisación XXXI-1913

Kazimir Malevich-Suprematismo-1915/16

La revolución también acogió esas nuevas corrientes artísticas en sus años iniciales y algunos de sus integrantes se pusieron a su servicio practicando, particularmente, un constructivismo revolucionario, hasta que, en el año 1932, Stalin puso fin a esas veleidades y dio curso exclusivo al realismo socialista.

Eliezer Markovich Lissitzky-Cuña roja-1920

Así, por ejemplo, con una simbología constructivista, Lissitzky homenajea la victoria del ejercito rojo (la cuña roja) sobre el ejercito zarista (el círculo blanco).

Paralelamente, la revolución rusa pone el arte a su servicio para la producción de carteles propagandísticos que es una forma mucho más directa de llegar a las masas.

Dimitri Moor- Fin de semana de trabajo-1920

Kozinsky-¡Viva la vanguardia de la de la revolución! La flota roja-1920

Rodchenko-Libros. Conocimiento en todos los campos-1924

 Adolf Strakhov- Mujer emancipada-1926

Andrey Golubev-Hilatura Roja-1930

En esta materia, y siguiendo a Steven Heller, puede decise que el arte de la revolución rusa aportó al diseño gráfico cinco ideas básicas:

Color minimalista. El rojo fue el color primario: el color del proletariado, asociado con las fuerzas revolucionarias de la clase obrera desde la Revolución Francesa de 1789. Cuando se combina con negro, crea una sorprendente combinación visual.

Abstracción y geometría. Es la base constructivista para reflejar una sociedad moderna e industrial.

"Agitprop". Se aplicaron los experimentos impactantes y geométricos de Kazimir Malevich a la propaganda y la publicidad.

Tipografía constructivista. La tipografía constructivista moderna era una combinación de tipografías dispares en diferentes tamaños. Los tipos de letra eran legibles, pero no estaban compuestos en una página de la manera tradicional de uno o dos tipos de letra en columnas lógicas; en su lugar, había múltiples tamaños y formas dentro de la misma palabra o frase.

Realismo heroico. La preferencia del Estado por los mensajes claros e inequívocos produjo unas representaciones idealizadas de los ideales revolucionarios evitando la ambigüedad de la abstracción.

Y en prueba de la vigencia de esas ideas valgan dos muestras.

 

Este es el logo creado por un Comité Conmemorativo del Centenario de la Revolución rusa inspirado directamente en la obra de Lissitzky reproducida más arriba.

Estas dos obras de David Upton, inspiradas directamente en las obras de Lissitzky y Rodchenko reproducidas más ariba fueron presentadas en una exposición de artes visuales que tuvo lugar en el Solstice Festival de 2012.

Ciudad Ligera

En el marco de Madrid Gráfica, una cita anual con el mejor diseño gráfico internacional que ha tenido lugar en Septiembre/Octubre de 2017, se convocó a los diseñadores gráficos a participar en una gran exposición de carteles con el lema La Ciudad Ligera/The Light City que pudo verse en el Matadero.

Los 100 diseños más originales, elegidos por un jurado internacional, tambien se expusieron en el Paseo del Prado y la plaza del Museo Reina Sofía del 2 de Octubre al 5 de Noviembre. 

El jurado contó con la presencia del diseñador italiano Carmelo di Bartolo, uno de los creadores del término Ciudad Ligera, quien tuvo la oportunidad de explicarlo en una conferencia pronunciada en la Casa de América el 6 de Octubre. 

Como cabe imaginar, el término Ciudad Ligera no tiene un significado preciso. En su particular versión, Carmelo di Bartolo señaló cinco puntos a tener en cuenta: polis, movilidad, sostenibilidad, usabilidad y producción, matizando que eligió ese número y no otro de los posibles porque a él le gusta el pentágono.

Como el objetivo del diseño gráfico es la creación de imágenes que transmitan ideas puede tener interés revisar algunas de  las propuestas realizadas para transmitir una idea tan polisémica como la de la Ciudad Ligera, todas ellas de una altísima calidad.

Como era de esperar, el principal enemigo de la Ciudad Ligera es el coche.

Y para resolver los problemas planteados por los coches parece que en la Ciudad Ligera o bien tendrían que estar durmiendo o bien solo se utilizarían para actividades tan placenteras como tomar una Cola-Cola y disfrutar de la chispa de la vida.

En la Ciudad Ligera la bicicleta sería un medio de transporte preferible al coche.

Pero la mejor forma de moverse en la Ciudad Ligera sería, sin duda, ir a pie.

La Ciudad Ligera sería, desde luego, verde.

Y la Ciudad Ligera sería también una ciudad ordenada.

Se han presentado asímismo carteles como estos que parecen más relacionados con la iluminación que con la ligereza aunque tanto Manhattan como Benidorm podrían considerarse Ciudades Ligeras si el único parámetro de medida fuera la eficiencia.

Pero, finalmente, para llegar a transmitir la multiplicidad de significados del término Ciudad Ligera en un solo cartel, los diseñadores nos vienen a decir que no hay más remedio que prescindir de las imágenes y limitarse a aligerar su expresión gráfica.

Banderas

La libertad guiando al pueblo-Delacroix-1830-Museo del Louvre

Este cuadro es uno de los mejores ejemplos de que, hasta el siglo XIX, la presencia de las banderas nacionales en el arte era plenamente conforme con su significado simbólico originario.

A partir del siglo XX ya no fué así y, muy especialmente, en el caso español.

Esta bandera de España, transformada en una soga de horca, apareció el pasado mes de octubre en un balcón de La Casa Invisible, un centro social y cultural de la ciudad de Málaga, en el marco de una «exposición artística» titulada “La Guerra. Espacios-tiempos del Conflicto”. Al cabo de poco tiempo, fue retirada del balcón e instalada en el interior del centro como una más de las obras de la exposición.

Otro ejemplo reciente de una obra de arte conceptual en la que la bandera de España aparece con un significado negativo es la ópera Carmen de Bizet en la versión de Calixto Bieito que pudo verse este año en el Teatro de la Bastilla de París. En una de sus escenas un legionario friega el suelo y se limpia el trasero con ella y en otra Micaela la usa como trapo para limpiar un Mercedes. Esas escenas desaparecieron, con el consentimiento de Bieito, en las representaciones de la ópera que tuvieron lugar en el Teatro Real de Madrid del 11 de octubre al 17 de noviembre de 2017).

Muy probablemente esas obras de arte traen causa de otras anteriores como la siguiente.

El Caudillo-Ignacio Zuloaga-Museo Reina Sofia

En todo caso, probablemente la mayor aportación del arte del siglo XX al tratamiento de las banderas nacionales ha sido darles identidad propia como objetos artísticos.

Jasper Johns-Flag-1954-MOMA

Esta es la obra que inicia ese movimiento y su valoración artística debe circunscribirse pues a la particular representación realizada por el autor de lo único que se muestra en ella: la bandera de los EE.UU.

La elección del motivo no fue tanto el patriotismo del pintor cuanto de su familiaridad para el público norteamericano ya que en 1954 tuvieron lugar diversos actos de exaltación de la bandera que hicieron que estuviera muy presente en su imaginario icónico.

Johns pintó con oleo las barras y estrellas sobre una base de papeles de periódicos (elegidos cuidadosamente para que ninguno de ellos publicara noticias destacadas que llamaran la atención) y aplicó un tratamiento protector con encaústica a su superficie externa.

Jasper Johns-Three Flags-1958-Whitney Museum-Nueva York).

Esta es otro de los 40 cuadros que Jasper Johns pintó a lo largo de su vida con la bandera norteamericana como único motivo.

A los pintores les gustó tanto la idea de Johns que muchos de ellos se consideraron obligados a aportar sus particulares versiones de la bandera norteamericana como las dos que se reproducen seguidamente.

Keith Haring-Untitled

Jean-Michel Basquiat- Untitled

En España el tratamiento neo-figurativo de la bandera no tuvo eco, pero sí lo hizo la abstracción.

Antoni Tápies- El espíritu catalán-1971-Colección Huarte

Carteles de Antoni Tápies

Como puede verse en las obras anteriores, Tapies extrae de la bandera catalana las cuatro barras rojas y el color amarillo y juega con esos y otros componentes para transmitir el mensaje deseado en cada caso ligado siempre con el sentimiento nacional catalán. Nótese que las cuatro barras rojas no están dispuestas en la posición horizontal que tienen en la bandera para reforzar su simbología reivindicativa (el nacionalismo siempre apunta hacia arriba).

Joan Miró-1983

Y esta obra tan conocida de Joan Miró -y tan identificada con el sol de España- también es, en realidad, una versión abstracta de la bandera española.