jueves, 15 de marzo de 2018

Palacio de Cristal


Este es el Palacio de Cristal situado en el Parque del Retiro de Madrid y cedido actualmente al Museo Reina Sofia para que lo utilice como sala de exposiciones.

Su singularidad arquitectónica, que contrasta fuertemente con la deseada vulgaridad de la mayoría de los espacios expositivos de obras de arte para no perturbarlas, propicia que pueda haber unas relaciones continente-contenido muy especiales en las exposiciones que se realizan en él como veremos seguidamente.


Federico Guzmán-Tuiza-Las culturas de la jaima-2015


Solo a un artista se le puede ocurrir ubicar una jaima sahariana en una edificación concebida inicialmente para albergar un invernadero, pero eso es lo que hizo Federico Guzmán en esta exposición.

El espectador que contemple esta obra puede sin duda, como quiere al autor, entender la gran jaima dispuesta en el interior del Palacio de Cristal como un espacio de hospitalidad y conversación, pero tendrá que ser él mismo quien encuentre las claves del diálogo que puede tener lugar entre una típica “casa” sahariana y un entorno como el del Palacio de Cristal, tan abierto a la luz y tan próximo al agua.

Mitsuo Miura-Memorias imaginadas-2013

El punto de partida de cualquier proyecto expositivo en el Palacio de Cristal tiene necesariamente que abordar la relación que se producirá entre las obras del artista y un edificio tan singular.

Mitsuo Miura optó por el contraste entre un contenido minimalista -unas piezas circulares de colores desvaídos suspendidas de su cubierta y unas franjas intermitentes de colores dispuestas dobre el suelo- y un continente de una factura tan “apabullante” para mostrar quizás una más de las contradicciones con las que tenemos que vivir.

Nacho Criado-Agentes Colaboradores-2012

El Palacio de Cristal, segunda sede de la retrospectiva, reconstruye la exposición Piezas de agua y cristal, expuesta en 1991 en este mismo espacio. En ella un criadero de hongos sobre las paredes vítreas ejemplifica el devenir "en estado de ruina" y la participación de agentes colaboradores, que contestan la utopía arquitectónica y el mensaje aséptico de la galería mediante la huella del acontecimiento. Una antiarquitectura, una idea-estímulo, que nace como reflexión sobre la mutabilidad y el uso del tiempo como un material más para la creación.

Así describe el Museo Reina Sofía esta exposición en la que, como bien se explica, el contenido tiene una función destructiva del continente. 


Soledad Sevilla-Escrito en los cuerpos celestes-2011


En esta exposición la artista dota al Palacio de Cristal de una segunda piel (hecha con paneles de policarbonado) recreando un cielo nocturno en el que flotan diversos signos linguisticos (no visibles en la foto) para que podamos verlo de día como si fuera de noche, transformado en un templo pagano.

Evaristo Bellotti-Escultura-2008

La obra está formada por un total de 1.668 losas de mármol de idénticas dimensiones labradas por el artista en las canteras de Macael (Almería) dispuestas sobre el suelo del Palacio de Cristal y una instalación hidráulica que permite que emerja agua del suelo, discurra sobre su superficie y contribuya a apreciar la belleza del mármol.

Se trata pues de una inusual escultura “horizontal”, difícilmente instalable en un museo convencional, que permite que el espectador tenga el arte bajo sus pies..


Javier Pérez-Mutaciones, metamorfosis-2004


El Palacio de Cristal alberga en este caso un milenario olivo que muestra sus entrañas teñidas de una savia sanguínea.

La belleza de la imagen no puede ocultar la tristeza del olivo encerrado dentro del Palacio y privado de la libertad de los arboles circundantes.

Leiro-2004

La arquitectura del Palacio de Cristal posibilita tanto su ocupación por los personajes escultóricos en unas ubicaciones inhabituales como facilitar al artista que pueda presentarlos en unas posturas poco convencionales.

El brutalismo del contenido contrasta perfectamente con la perfección industrial del continente.


Eva Lootz-La lengua de los pájaros-2002


Aprovechando el parecido del Palacio de Cristal con una gran pajarera, Eva Lootz instaló en esta exposición un conjunto de altavoces que difunden cantos de diferentes especies de pájaros sobre una gran montaña de arena circundada parcialmente por una pasarela que permite transitar sobre ella.

De esa manera el visitante puede apreciar tanto los cantos grabados de pájaros de la instalación como, si hay suerte, los cantos naturales de los pájaros que vuelan en el exterior o, dicho de otra manera, tanto la cultura como la naturaleza.


miércoles, 28 de febrero de 2018

Arco 2018


El factor distintivo de una feria de arte como Arco respecto a otros eventos artísticos es que consigue que la pregunta ¿esto es arte? ocupe un espacio importante en los medios de comunicación.

Veamos algunos ejemplos de obras expuestas en Arco 2018.

Jan Fabre-Brain with Star-2012

Si no se sabe que Jan Fabre es un artista multidisciplinar más conocido probablemente como director teatral (de obras muy polémicas) que como escultor resultará difícil entender que la tijera que hunde su punta en el cerebro es una estrella que lo ilumina o, dicho de otra manera, que los cerebros necesitan una puntita de dolor para funcionar.  


Jorge Peris-La patética para instrumento innombrable-2018


Suponiendo que la “patética” es una referencia a alguna de las sinfonías clásicas con ese título esta obra puede ser vista como una partitura muy especial porque solo puede interpretarse con un instrumento situado en la mente del espectador.

Lucia Koch-Dori-2017

Viendo esta construcción de cartón el espectador puede dejar volar su imaginación sobre las posibilidades que ofrece la arquitectura para ocupar e iluminar un espacio.

Tomas Saraceno- Hybrid semi-social 88 Peg built by a quartet Cyrtophora citricola juvenile - two weeks 2017

Esta obra tiene la particularidad de que, tras ser concebida por el artista, se realiza contando con un grupo de arañas colaboradoras que siguen sus instrucciones para la ejecución de las “telarañas” incluidas en ella que, al formar parte de una obra de arte, dejan automáticamente de tener las connotaciones peyorativas que se les atribuyen habitualmente.

Mona Hatoum-Static II-2008

A diferencia de lo que sucedía en la obra anterior, la tela de araña (artificial) que cubre la silla significa una amenaza. La artista, de procedencia palestina, usa habitualmente objetos domésticos para mostrar amenazas presentes en el mundo actual.


Jeanne Silverthorne-Self-Portrait as Fly with Glasses-2017


Este autorretrato de la artista como una mosca con gafas puede tener muchos significados, desde una referencia a Kafka a una reivindicación feminista, y esa es una de sus virtudes. 

Ximena Garrido-Lecca-Destilaciones IX-2017

¿Qué se destila en esta instalación? Como la artista no muestra ni su entrada ni su salida es que deja que seamos nosotros quienes identifiquemos que líquidos/gases circulan por ella.

Presos políticos en la España contemporánea-Santiago Sierra-2018

Esta es la obra expuesta en Arco 2018 que mayor éxito ha tenido (es decir la que más espacio ha ocupado en los medios de comunicación) gracias a su censura por el Comité Organizador de la Feria.

Tras este repaso, resulta fácil concluir que arte es lo que hacen los artistas, siendo estos quienes se consideran tales. 

jueves, 15 de febrero de 2018

Plensa vs Chillida


Un hito fundamental en el arte público español fue la creación en Madrid en los años 70 del Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana tanto por su ubicación (la zona inferior del paso elevado que une las calles de Juan Bravo y Eduardo Dato) como porque las obras expuestas no fueron las clásicas “estatuas” de personajes históricos o mitológicos que han ocupado tradicionalmente el espacio público sino esculturas modernas.

Eduardo Chillida-Lugar de Encuentros III

Esta escultura de Eduardo Chillida (conocida popularmente como la Sirena Varada) es la más famosa del Museo por la bien conocida polémica que provocó su instalación. Forma parte de una serie a la que también pertenecen las siguientes.

Eduardo Chillida-Lugar de encuentros IV (1973-74)-Museo de Bellas Artes-Bilbao

Lugar de Encuentros V (1973)-Puerta de la bisagra-Muralla-Toledo

Se trata de esculturas abstractas de grandes dimensiones realizadas con un nuevo material escultórico, el hormigón armado, y pensadas para ocupar un espacio público accesible directamente a los ciudadanos.  

El núcleo interior de las obras representa precisamente un lugar de encuentro y la elevación del suelo (mayor en las colgadas que en la apoyada en un soporte cilíndrico) les confiere la dimensión espiritual que necesita un lugar de encuentro de personas, ya sea el situado bajo un paso elevado en Madrid, en el exterior del Museo de Bellas Artes de Bilbao o en una plaza del entorno de la muralla de Toledo.

Los materiales sólidos como el hormigón o el acero corten que han sido los  utilizados en el arte público contemporáneo en el siglo XX (y que se siguen utilizando en el siglo XXI), no cubren sin embargo las necesidades que se plantean artistas como Jaume Plensa del que se muestran seguidamente imágenes de tres obras de su serie Sitting Tatoo, la última de la cuales puede verse en el exterior del inmueble sito en Príncipe de Vergara, 187, Madrid, sede de Uría y Menéndez Abogados (está dedicada al fundador del despacho, Rodrigo Uría).

Jaume Plensa-SittingTattoo VI-2005

Jaume Plensa-Sitting Tattoo VIII-2009

Jaume Plensa-SittingTattoo X-2008-Vista frontal

Jaume Plensa-SittingTattoo X-2008-Vista posterior

En la serie Sitting Tattoo se representa un hombre sentado en cuclillas realizado con un material plástico en cuya piel se consignan una pluralidad de frases indicativas de la intención de la obra que, además, está provista de un sistema de iluminación interior que permite ir variando el color de la luz en el tiempo.

Así pues, mientras que en la década de los setenta del siglo XX Chillida utilizaba un material opaco y pesado, en la primera década del siglo XXI Plensa usa un material transparente y ligero.

 Si conferimos algún valor anticipatorio al arte cabría preguntarse si en la evolución de la sociedad en ese período también estaremos pasando de lo opaco a lo transparente y de lo pesado a lo ligero.

miércoles, 31 de enero de 2018

Julie Mehretu


En el Centro Botín puede verse, hasta el día 25 de febrero, una exposición retrospectiva dedicada a Julie Mehretu, una artista nacida en Addis Abeba en 1970 de padre etíope y madre norteamericana que, como se indica en el catálogo, está considerada internacionalmente una de las más destacadas pintoras de su generación.

Empezó a exponer en galerías neoyorkinas en 1999 y su peculiar pintura abstracta con contenido político y social fue pronto muy apreciada como una sana alternativa a algunas de las corrientes figurativas entonces de moda (pop-art, Jeff Koons).

En su meteórica carrera artística destacan dos sucesos bien significativos. El primero de ellos fue el encargo que le hizo Goldman Sachs en 2007 de un enorme mural de 25 metros de largo y 7 de alto para su sede neoyorquina, que puede verse desde el exterior del edificio.

Mural Goldman Sachs (Detalle)

El segundo fue su presencia en la Documenta 13 de Kassel (2012) con la obra Mogamma relacionada con el complejo de edificios de la plaza Tahrir de El Cairo.

Mogamma: A Painting in Four Parts (2012)-Part 3

Si antes de los 45 años recibes el aval de una entidad financiera tan poderosa como Goldman Sachs por un lado y del mandarinato artístico que organiza las Documenta de Kassel por otro no cabe duda de que estás en el buen camino.

En una aproximación superficial a las obras mostradas anteriormente se aprecia que Mehretu se inspira en el suprematismo y el constructivismo ruso de las primeras décadas del siglo XX en el Mural de Goldman Sachs mientras que en Mogamma lo hace en el expresionismo abstracto norteamericano, pero que hay una diferencia sustancial respecto a la pintura de, por ejemplo, un Malevitch o un William de Koonig: su mayor complejidad como consecuencia de un procedimiento de elaboración mucho más laborioso consistente en realizar la obra por capas de manera que cada una de ellas se superponga a la anterior dejando visibles rastros de ella (algo difícil de apreciar en una reproducción fotográfica y que hace necesaria la contemplación directa de la obra para poder captar toda su potencialidad comunicativa).

 Ese procedimiento permite a Mehretu incorporar elementos realistas (tales como planos o mapas) para que sus obras puedan considerarse como cartografías de aquellos aspectos del mundo que trata en ellas.

Y el tercer precedente que cabe citar antes de pasar a la exposición del Centro Botín es que, desde el 23 de septiembre de 2006 al 7 de enero de 2007, es decir antes de los dos sucesos mencionados anteriormente que le dieron fama internacional, pudo verse una exposición de Julie Mehretu en el MUSAC de León titulada Black City lo que no deja de ser una rareza en el panorama artístico español.

Zero Canyon (A Dissimulation)-2006-305x214 cm

Esta obra, propiedad del MUSAC, se expuso en su día en León y lo hace ahora en el centro santanderino. Salvo por tener un formato vertical (raramente utilizado por la artista) ilustra perfectamente el estilo de Mehretu: obras de gran formato realizadas en capas sucesivas, utilizando el dibujo y la pintura como herramientas de trabajo.

Las seis obras siguientes, expuestas en el Centro Botín, son una buena representación del trabajo de Mehretu en el período 2009-2016.

Fragment-2009-303,5x415,8 cm

En Fragment (obra más expresionista que constructivista) la paleta de colores se limita al negro, al blanco y al gris, pero pueden apreciarse las estructuras subyacentes de capas anteriores sobre las que van superponiéndose inscripciones pictóricas.

Plover’s wing-2009-303,2x425,5 cm

En Plover’s wing (más constructivista que expresionista) pueden verse algunas de las herramientas básicas de Mehretu: calcos lineales de arquitecturas como soporte de bloques de color.

A partir de 2012 predomina la vertiente expresionista (con mucha dinámica gestual) y la temática se amplía incorporando asuntos de actualidad como la tecnología o la guerra de Siria como puede verse en las siguientes obras.

Co-Evolution of the Futurhyth Machine (after Kodwo Eshun)-2013-274,3x304,8 cm

Heavier than air (written form)-2014-122x183 cm

Invisible Sun (algorithm 7, spell form)-2015-304x424,2 cm

Conjured Parts (Syria), Aleppo and Damascus (Detalle)-2016-152,4x305,4 cm


jueves, 18 de enero de 2018

Fluctuaciones


En la Sala Alcalá 31 de Madrid puede verse hasta el 28 de enero de 2018 la exposición Fluctuaciones de Daniel Canogar que incluye, entre otras, las siguientes obras. Los créditos y textos en cursiva que siguen a las imágenes proceden de www.danielcanogar.com.  
Draft 2017- Pantalla de cristal líquido, estructura metálica, ordenador
Producción artística y programación: Federico Guardabrazo 

Sobre las pantallas de la serie Draft aparecen animaciones generativas creadas con textos fundacionales del sistema democrático, incluyendo la Magna Carta, la Declaración Universal de los Derechos Humanos y la Constitución americana. Progresivamente esos textos se van distorsionando, el resultado de una reacción en tiempo real de la dirección e intensidad del viento de las ciudades que han visto nacer estos textos: Runnymede, París y Filadelfia.

Xylem 2016- Proyección
Producción artística y programación: Federico Guardabrazo

Xylen muestra una animación generativa creada con datos financieros en tiempo real de 383 fondos índice de todo el mundo. El movimiento vertical de la animación refleja fielmente la cotización ascendente o descendente de los fondos actualizada cada diez segundos. La paleta de colores de la obra recurre a la gama cromática de las principales monedas del mundo, incluyendo el verde del dólar, el tono rosáceo del billete de 500 euros y otras monedas internacionales incluyendo la libra esterlina y el yuan chino. También se incluyen los colores de materias primas que cotizan en bolsa, incluyendo oro, plata, cobre y platino.

Plexus, 2016- Proyección
Producción artística: Diego Mellado

En un mundo crecientemente electrónico y digital, las manos están desapareciendo como herramienta fabricante. Plexus cuestiona la mano del artista como el origen de una obra de arte. Los múltiples ritmos sincronizados a las (los) que las manos se acoplan evocan la producción masiva del mercado global. Es en este ritmo que las manos, en este caso las del propio artista, simultáneamente se multiplican y desaparecen.

Cannula, 2016- Proyección
Programación: Diego Mellado

La animación generativa de Cannula utiliza videos colgados en YouTube para crear una composición liquida. Conectada a Internet, la obra descarga en tiempo real los primeros 100 videos que aparecen con diversas búsquedas, entre ellas “los vídeos más vistos de YouTube”, “películas de Charles Chaplin”, “los mejores goles de Ronaldo”, o “crisis de refugiados sirios”.

Como se deduce de sus créditos, las obras anteriores se proyectan en una pantalla de cristal líquido (Draft 2017) o en una pared (Xylem 2016, Plexus 2016, Cannula 2016) y lo que se muestra en esos soportes es el resultado de tratamientos informáticos de diversa índole de unas “materias primas” cuidadosamente seleccionadas: textos en Draft 2017, series de datos en Xylem 2016, imágenes en Plexus 2016, vídeos y películas en Cannula 2016.

Esas obras representan fenómenos reales que se extienden en el tiempo tal como la variación de valores de fondos de inversión (Xylem 2016) o la estelas que forma un fluido al atravesar a una determinada velocidad frases “escultóricas” de textos fundacionales del sistema democrático (Draft 2017) utilizando para ello herramientas tecnológicas diversas. 

Lo que hace Canogar es, pues, lo mismo que han hecho los artistas de todos los tiempos: representar la realidad que le rodea. Lo hace sin pintar ni esculpir, es decir sin usar las manos (a lo que se alude en Plexus 2016), pero se trata de un arte realista expresado, eso sí, con un lenguaje necesariamente abstracto por tratarse de realidades incorpóreas (a diferencia del videoarte).

Nótese que se representan tanto fenómenos para los que se conocen otras formas de representación, como sucede con la variación de los valores de los fondos de inversión (Xylem 2016) como fenómenos inventados por el autor como los representados en Draft 2017 y Cannula 2016. En el último caso el estímulo para la contemplación de la obra es puramente estético mientras que en el primero también podría tener una finalidad utilitaria (tal vez un operador bursátil podría conocer mejor las tendencias del mercado utilizando Xylem 2016 que dejándose los ojos en las pantallas de las bolsas).

Sikka Ingentium 2017- 5 proyectores, 5 reproductores multimedia, sistema de amplificación, 12 altavoces, 2subwoofers, 2400 DVD, conexiones de red
Ingeniería artística: Diego Mellado. Composición de sonido: Alexander MacSween

Sikka Ingentium está compuesto de 2.000 películas en formatos DVD adquiridos en rastrillos, tiendas en segunda mano o video clubs que clausuraban. Fragmentos de cada una de estas películas se proyectan sobre la superficie de los DVD, otorgando una nueva vida a un material obsoleto. La banda sonora que la acompaña es la resultante al superponer las bandas sonoras de los segmentos reales que se están proyectando.  

En un segundo grupo de obras, al que pertenece Sikka Ingentium 2017, Canogar incluye dispositivos mayoritariamente obsoletos, como los 2000 DVD’s utilizados en esa obra, para ilustrarnos sobre el papel de la evolución tecnológica en nuestras sociedades siguiendo una corriente iniciada en la década de los 60 por Nan June Paik mediante, singularmente, la incorporación de aparatos de televisión en sus obras.

Puede haber gente que se pregunte si Sikka Ingentium 2017 es arte, pero ¿puede ocurrírsele a alguien que no sea artista proyectar películas grabadas en DVD’s sobre los soportes que las almacenaron de manera que cuando estás delante de la obra tengas unas sensaciones totalmente novedosas?

jueves, 4 de enero de 2018

Metafísica


Viendo la exposición “Sueño o realidad. El mundo de Giorgio de Chirico” que se muestra en CaixaForum Madrid del 23 de noviembre de 2017 al 18 de febrero de 2018 uno puede preguntarse si ha habido (o incluso si puede haber) pintura metafísica no italiana.
Giorgio De Chirico-Enigma de la partida-1914
Giorgio De Chirico-Piazza souvenir de Italia-1925

Giorgio De Chirico-El gran juego-1971

Uno de los temas básicos de la pintura de Giorgio de Chirico (que es, sin duda, el mayor pintor metafísico) es el paisaje urbano. Como se puede apreciar en las obras anteriores, Giorgio de Chirico pinta paisajes urbanos imaginarios inspirados en el renacimiento italiano con una técnica figurativa y empieza a hacerlo en, precisamente, una época de “vuelta al orden” tras la eclosión de las vanguardias.

Pero también hay paisajes metafísicos no italianos.

Cristino de Vera-Cráneo y Toledo-1985

El pintor canario Cristino de Vera también es un pintor metafísico. En sus propias palabras “El tratamiento metafísico de la luz. Ese es el elemento más importante de mi pintura...Mi estética podría definirse como una búsqueda de la esencia de toda cosa, ser, imagen; como la búsqueda de una raíz espiritual que hay en cada forma del Universo.”

Nótese que en el cuadro anterior Toledo es simplemente una referencia espacial de lo verdaderamente importante: el cráneo situado en un pedestal en primer plano testimoniando la certerza de la muerte (una obsesión en la obra del pintor).

Giorgio de Chirico-El gran metafísico-1916

Giorgio de Chirico-Trobador-1972

En materia de retratos, Giorgio de Chirico sigue las mismas pautas de los paisajes y pinta personajes imaginarios utilizando formas bien presentes en la memoria de los italianos.

Cristino de Vera-Figuras y bodegón-1956

Y Cristino de Vera (que siente devoción por Zurbarán) hace lo mismo con elementos iconográficos del barroco español.

Giorgio Morandi-Bodegón-1929

 Entre las corrientes de la pintura metafísica se suele incluir a Morandi como ejemplo de una pintura concentrada en la naturaleza de las cosas, particularmente por sus bodegones.

Cristino de Vera- Bodegón con flores y panes-1965

Cristino de Vera- Mesa y cesta con flores-1968

Cristino de Vera- Mesa, tres tazas blancas y vasos con flor-1978

A la vista de las tres últimas obras ¿cabe alguna duda de que en materia de bodegones metafísicos Cristino de Vera es el gran maestro?

jueves, 21 de diciembre de 2017

Revolución


¿Qué papel jugó la revolución rusa de 1917 en el arte?

Dos exposiciones celebradas este año la Royal Academy of Arts y en la Tate Galery de Londres han revisado esa cuestión 100 años después. Resumimos seguidamente sus conclusiones.

Los artistas rusos de vanguardia que habían inventado la abstracción unos años antes, como Kandinsky y Malevich, abrazan la revolución.

Vassily Kandinsky-Improvisación XXXI-1913

Kazimir Malevich-Suprematismo-1915/16

La revolución también acogió esas nuevas corrientes artísticas en sus años iniciales y algunos de sus integrantes se pusieron a su servicio practicando, particularmente, un constructivismo revolucionario, hasta que, en el año 1932, Stalin puso fin a esas veleidades y dio curso exclusivo al realismo socialista.

Eliezer Markovich Lissitzky-Cuña roja-1920

Así, por ejemplo, con una simbología constructivista, Lissitzky homenajea la victoria del ejercito rojo (la cuña roja) sobre el ejercito zarista (el círculo blanco).

Paralelamente, la revolución rusa pone el arte a su servicio para la producción de carteles propagandísticos que es una forma mucho más directa de llegar a las masas.

Dimitri Moor- Fin de semana de trabajo-1920


Kozinsky-¡Viva la vanguardia de la de la revolución! La flota roja-1920
Rodchenko-Libros. Conocimiento en todos los campos-1924

 Adolf Strakhov- Mujer emancipada-1926

Andrey Golubev-Hilatura Roja-1930

En esta materia, y siguiendo a Steven Heller, puede decise que el arte de la revolución rusa aportó al diseño gráfico cinco ideas básicas:

Color minimalista. El rojo fue el color primario: el color del proletariado, asociado con las fuerzas revolucionarias de la clase obrera desde la Revolución Francesa de 1789. Cuando se combina con negro, crea una sorprendente combinación visual.

Abstracción y geometría. Es la base constructivista para reflejar una sociedad moderna e industrial.

"Agitprop". Se aplicaron los experimentos impactantes y geométricos de Kazimir Malevich a la propaganda y la publicidad.

Tipografía constructivista. La tipografía constructivista moderna era una combinación de tipografías dispares en diferentes tamaños. Los tipos de letra eran legibles, pero no estaban compuestos en una página de la manera tradicional de uno o dos tipos de letra en columnas lógicas; en su lugar, había múltiples tamaños y formas dentro de la misma palabra o frase.

Realismo heroico. La preferencia del Estado por los mensajes claros e inequívocos produjo unas representaciones idealizadas de los ideales revolucionarios evitando la ambigüedad de la abstracción.

Y en prueba de la vigencia de esas ideas valgan dos muestras.

 
Este es el logo creado por un Comité Conmemorativo del Centenario de la Revolución rusa inspirado directamente en la obra de Lissitzky reproducida más arriba.



Estas dos obras de David Upton, inspiradas directamente en las obras de Lissitzky y Rodchenko reproducidas más ariba fueron presentadas en una exposición de artes visuales que tuvo lugar en el Solstice Festival de 2012.